原作／DAWN
這篇心得已經在我電腦桌面上躺了好多年，從硬碟複製到隨身碟、又從隨身碟複製回硬碟，不知道來來回回多少次了。不曉得為什麼，我一直沒有把它發出去。也許是因為每次打開檔案，就又忍不住想重寫一遍，結果搞得心很累。不過我真的覺得，這篇文章很適合拿來當作這個部落格的開場白。
什麼是《ART OF LIFE》？它是X JAPAN在1993年發行的第四張專輯。如果我們只單純談「事實」，那一切都很簡單。但要說明《ART OF LIFE》到底是什麼，那可就沒那麼容易了。
《ART OF LIFE》整張專輯只有一首歌，但這首歌長達30分鐘。這樣還能叫做「一首歌」嗎？這麼長的一段音樂，融合了這麼多不同的曲風，實在不常見。那該怎麼定義它？交響樂？爵士樂？還是古典樂？說穿了，它很可能是這三者的綜合體。
這首曲子受到舒伯特《未完成交響曲》的啟發，是一首獨一無二的作品。我會把它形容成一首帶有新浪漫主義色彩的「交響詩」。雖然這首曲子因為篇幅和特殊性顯得格外複雜，但《ART OF LIFE》無疑是讓X JAPAN名留青史的代表作，關鍵是，也讓YOSHIKI得以觸碰到他所追求的「普世性」。
在古典樂的審美裡，「統一性」一直是判斷作品美感的核心標準之一。也就是說，風格上的一致性非常重要。但YOSHIKI完全反其道而行，彷彿在說，音樂的「一致性」應該靠情感來傳達，而不是靠編曲來維持。
不過，當你抓住整首曲子的輪廓之後，還是能看出某種秩序：歌曲從一段引子開始；鋼琴獨奏夾在兩個篇幅大致相同的部分之間；還有一些反覆的段落，聽起來就像是副歌。從這個角度來看，〈ART OF LIFE〉可以被視為一首篇幅誇張到極點的搖滾歌曲。
但也正因為它風格太多元，根本無法被歸類到任何一種明確的音樂類型，所以若說它「只是」一首搖滾歌曲，也不太合理，因為〈ART OF LIFE〉是一首極其複雜的作品
而它本身的誕生歷程，也是一段跌宕起伏的故事。
1989年11月23日，X在東京澀谷公會堂的巡演最終場，臨時取消了。原因是YOSHIKI的健康出了狀況 —— 他罹患了神經衰弱，也就是現在常說的慢性疲勞症候群（CFS）。這是一種嚴重但仍未被完全解明的神經系統疾病，患者會長時間感到極度疲憊，甚至會暈眩、虛脫。
YOSHIKI在記者會上表示：「我真的很遺憾，沒能把鼓打到死，巡演沒完成就垮了，現在還過著這種像普通人一樣的生活，讓我感到羞愧。」
日本媒體稱這種心境為「瞬間美學」。當時的YOSHIKI，似乎抱持著「只活在當下」的信念。他後來聘請了一位曾經為頂尖運動員調養身體的健康教練，並在療養期間開始創作《ART OF LIFE》。
經過將近十個月的錄音，YOSHIKI對主唱部分始終不滿意。隨著各種技術性問題接連出現，再加上YOSHIKI的完美主義和健康再度亮紅燈（他甚至在錄音期間再次昏倒），樂團最後決定在1991年7月1日，先發行不包含〈ART OF LIFE〉的《Jealousy》。
坊間傳聞，Sony當時施壓，要樂團在沒有《ART OF LIFE》的情況下先推出《Jealousy》，而這項決定也被認為是X JAPAN之後離開Sony、轉投Atlantic Records旗下的導火線。
《Jealousy》一發行，就被樂評一致認為是X的巔峰之作。
第三版〈ART OF LIFE〉的DEMO，是在1992年底錄製的，內容和1991年那一版差不多（一樣還沒填詞），但這次的貝斯改由HEATH演奏。
這張專輯最終在1993年7月正式發行，距離YOSHIKI寫下第一個音符，整整過了四年。錄音期從1991年4月一路拖到1993年6月，橫跨了洛杉磯的八間錄音室（其中交響樂的部分則是由倫敦愛樂交響樂團在倫敦錄製完成）。
這張專輯當時發行了兩個版本，一個是普通版，另一個是限量收藏版，附了一本約二十頁的特別小冊子。
專輯的視覺設計，是一張YOSHIKI的臉部特寫照片，在迷幻燈光的照射下，畫面既夢幻又詭異。他的一半臉孔被骷髏取代 —— 彷彿〈ART OF LIFE〉這首曲子，就是在試圖揭開這位作曲家內心深處真正的模樣。
另外，為了能夠在廣播電台上播出，還特別剪了一個長度只有五分鐘的「精簡版」。這個版本後來也被收錄在1999年發行的《X JAPAN Perfect Best》中，標示為「radio edit」。
由於〈ART OF LIFE〉的篇幅實在太長，現場演出時非常耗體力，所以這首曲子很少完整演出。
樂團第一次完整演奏這首歌，是1993年12月30日和31日，於東京巨蛋舉辦的兩場演唱會上。不過，由於HIDE在30日那場太早進了他的獨奏段落，導致演出略有瑕疵，所以後來正式發行的是31日那場的版本 —— 這個版本分別在1998年推出CD、2003年推出DVD。
近年來，〈ART OF LIFE〉也曾在X JAPAN重組後的演唱會上演出過。2008年3月的復出演出中，28日那場演了上半段，但YOSHIKI在演出途中體力不支中途昏倒，因此30日那場則接著演出了下半段。
為什麼YOSHIKI會想寫一首這麼難以演出的作品？要知道，早在1989年，他的身體狀況其實根本就不允許他連續演奏三十分鐘。更別說主唱TOSHI當時一直都有英語發音上的困難，但YOSHIKI偏偏把全部歌詞都寫成英文。
但對YOSHIKI來說，按照他所堅持的「瞬間美學」，音樂就是一個不該設限的世界。他追求的，是毫無節制的自由。《ART OF LIFE》，正是一首向「不節制」吶喊的作品。
某種程度上，藝術創作本來就是一種破壞。甚至說得更極端一點，是「自我的毀滅」才能換來「創作的重生」。要建造新的東西，就得先拆毀原有的一切。
對許多藝術家而言，美的誕生，總是來自內在的痛苦。這份痛苦要被釋放、被承認，甚至要主動去追求，藝術創作才有可能發生。
當年有位日本評論家曾經說，YOSHIKI的受虐傾向，其實是一種自戀。他們樂團的標語 ——「Psychedelic Violence Crime of Visual Shock（迷幻暴力．視覺衝擊之罪）」 —— 某種程度上，正是這種創作信念的最佳寫照。
這首歌的開頭，是鋼琴和吉他的二重奏，幾秒鐘後和弦緩緩加入。當TOSHI開始唱歌時，鋼琴聲漸漸消失，讓位給一個個憂鬱的吉他音符。
TOSHI的歌聲在《ART OF LIFE》這張專輯前後有了明顯的進化：以前他主要靠的是強而有力的唱腔，但這首歌裡，他展現了不尋常的音域變化，能在多個八度之間自由游走。
另外值得一提的是，雖然〈ART OF LIFE〉的歌詞沒有押韻，但整首歌是用詩歌的形式寫成，而非散文。YOSHIKI依循英美詩歌的韻律規則，運用內部節奏感來構築歌詞，讓它在沒有押韻的情況下仍有獨特的韻律美。
到了第二段，時間流逝的意象從「流沙」（the sands of time）轉變成「時間之風」（the winds of time）。詩人內心翻湧的情感相當複雜：既有對終結的恐懼、痛苦和飢渴，也有想逃離現實的渴望，以及對自由的追求。
第三段引入了一段自我探索的旅程，這也是〈ART OF LIFE〉裡的大主題之一。歌中反覆出現的「無盡」（endless）這個詞，其真正涵義值得釐清。
在佛教的象徵體系裡，「永恆」其實等同於地獄：輪迴被視為一種詛咒，只有透過「開悟」，也就是停止一生又一生重蹈覆轍，才能擺脫這個循環。這也讓「endless」帶有貶義，尤其在「how long」這句裡強調了永恆的無限與無望。
接著，雨與悲傷的意象呼應了法國詩人魏爾倫（Verlaine）那句「心中下著雨，如同小鎮在下雨…」的詩句，隨之而來的是等待的意念。
在等待什麼？還是在等待那朵玫瑰 ── 詩人其實是在等待他自己，因為他尚未找到真正的自我身份。
這第三段比前面幾段更長，但裡面的句子卻逐漸變得越來越短。詩人此刻已無法回頭，字面上是因為他沒有可以回去的地方；而沒有任何牽絆，反而像戴上枷鎖一樣 —— 自由其實是一種內心的狀態，但多數時候，缺乏約束反而讓它更加難以達成。
在這裡，絕望感與迷失的情緒緊密相連。花的意象（再一次指代玫瑰和詩人本人），擁有短暫而脆弱的美麗，讓人感受到生命彷彿是一場注定失敗的奮鬥，因為死亡終究無法逃避。
最後四句非常短，簡潔道出〈ART OF LIFE〉背後的核心疑問：如果生命就是現實，那麼夢想只能在死亡時成真 ── 除非生命本身就是一場夢（或許是在暗指卡德隆（Calderón）那齣經典戲劇）。
的確，要在活著的時候實現夢想似乎不可能，因為夢想本質上就是現實的對立面。而死亡又是生命的對立面，既然如此，為什麼人在死後夢想不能成真呢？
這也解釋了為什麼詩人們，包括YOSHIKI也不例外（我隨意把歌曲中男性聲音稱作「詩人」，以區別於玫瑰的聲音），似乎更被死亡吸引，而不是生命。
而詩人要求玫瑰「殺了他」時，其實是對自己說話。
這段長達三分鐘的前奏結束後，歌聲暫停，吉他和鼓便壯闊登場，帶回那種讓人形容X JAPAN為交響金屬的氣勢，特別是他們抒情搖滾獨奏時那種宏偉氛圍。
3分30秒時，節奏加快，營造出更具金屬感的氛圍，就在TOSHI再次開唱之前。第一段歌詞有八句，描繪詩人將自己關進心靈的城堡裡：他拒絕面對現實，也不願釋放情感（也就是不願聆聽玫瑰的聲音）。他對外在世界的恐懼，象徵著他害怕夢想在現實面前破滅。
詩人用「現實」來壓抑過去（灰色是前奏中描述沙漠世界的顏色），並拒絕面對痛苦（存在焦慮所帶來的折磨）。儘管如此，他仍緊抓愛不放，願意失去一切（甚至是自己），唯獨不能失去愛。
接著吉他再次帶出金屬主題，節奏稍微放慢，引入第二段歌詞。
在第二段歌詞裡，就像前奏一樣，時間流逝的主題再次出現：「時光如淚水般流逝」。詩人內心的感受逐漸失去光彩，失去了「生命的色彩」 —— 但這並非像前奏所描述的現實世界缺乏色彩，這代表詩人對生命抱持著正面的看法，卻對外在世界有相當負面的認知。
他渴望不再感受任何事物，無論是痛苦還是焦慮。「Kill my heart」既可以字面理解，也可視為比喻：死亡是唯一能讓人完全不再感覺的狀態。
在把自己關閉起來後，詩人最後一次尖叫（這尖叫是他真實情感的爆發，也呼應了「My mind cries out」這句，顯示情緒更加激烈）：瘋狂正在佔據他的心智。
這瘋狂，或他所認為的瘋狂，是腦袋裡那朵玫瑰的聲音 —— 他拒絕接受玫瑰是他的一部分，也拒絕承認玫瑰的感受同時也是他的感受。
就在這段歌詞結束後，我們第一次聽到女性的聲音，那是玫瑰的聲音，由三位不同的女性錄製，再混音合成成一體。用冷靜平淡、不帶感情起伏的聲調來表達詩人最私密的情感，這聽起來很矛盾，但卻是〈ART OF LIFE〉的特色。
背景伴隨著急促的大鍵琴聲，玫瑰從詩人築起的心牆後退，試圖看向這個世界，但她什麼也看不見，因為這片沙漠是空洞的，詩人尚未築起自己的人生。
玫瑰聽到的尖叫，是詩人在第二段結尾的尖叫；詩人和玫瑰彼此交融，就像她存在於詩人之中，他也存在於她心裡。
詩人再度暗示玫瑰的死亡，鼓勵她「抹去」自己。在這裡，夢想象徵未來，現實代表當下，回憶則是過去。
第三段歌詞呼應第一段，詩人開始失去自我掌控。他對這個世界的渴望，與不願放棄夢想的決心形成矛盾，這種慾望無法滿足，而瘋狂也被視為宿命。
他明白自己也存在於玫瑰的心中，卻將築起心牆的責任推給她，既無法忍受心靈的封閉，也無法承受外界的壓力，最終選擇躲進渴望被愛的避風港。
旁白再次出場，這次帶著更強烈的怒火，金屬吉他的失控Riff不停歇。玫瑰彷彿在命令詩人，描繪眼前的一幕，她鼓勵他對抗時間的洪流，拒絕認輸。
無謂的暴力接著帶出弒母的意象，玫瑰希望他割捨過去和根源，用鮮血洗淨罪孽，好重新開始。暴力與瘋狂，緊密交織著詩人從中獲得的虐戀快感。
最後，連玫瑰也迷失了，質疑她的愛是否值得這般暴力。
這段歌詞要被理解為一則寓言，描寫內心的暴力，那些激烈的搏鬥，其實是人與自己內心的抗爭。
旁白一消失，鼓聲和吉他也跟著結束，讓大鍵琴接棒，重奏那令人心碎的主題，並由和弦支撐。鼓聲再次帶來宏偉的氣勢，隨後吉他加入，這次彈奏出更具旋律感的音符。第四段歌詞，更多是吟唱而非歌唱，再次回到時間的主題。
詩人認為現在（以及由此延伸的生命和現實）是一種畸變。在他眼中，存在本身毫無意義。〈ART OF LIFE 〉的主題與青春期密切相關，因此詩人似乎永無止境地尋找生命的意義。
他無法從過去或未來中解脫，即使知道兩者都讓他無法活在當下。時間在他眼中是一個盲目的存在，像公正無私的正義一樣，將他囚禁：無論他向前看還是回望，時間所呈現的自我形象都未改變 —— 過去無法改變，而命運將讓他在未來重蹈覆轍。
但詩人仍努力將愛化為「時間之牆」上的具象，因為愛是唯一讓生命值得活下去的情感。這堵牆正是束縛他內心的圍牆，用愛去覆蓋它，似乎成了他忘卻痛苦與動盪的方式。
在YOSHIKI的所有作品中，雖然激情可能具破壞性（像是〈Silent Jealousy〉），但愛永遠帶來解放（參見〈Tears〉：「用愛拭乾你的淚」）。這裡也不能忽略「痕跡」這個詞，它是詩人藝術情感的首次流露，後面還會有更多的展現。
接著，歌詞中第一次出現了「Art of Life」這幾個字。專輯收藏版附的歌詞本中，有日文翻譯，但英文的「Art of Life」這幾個字卻被保留了下來，沒有翻。原因很簡單，一旦翻譯，這幾個字的大部分意涵就會消失。
這句話的字序非常重要：是「Art of Life」，不是「Life’s Art」。YOSHIKI並不是在說生活提供給我們的藝術，而是在說「生命本身就是藝術」。人類一旦決定活著，就成了藝術家。創造，不管以什麼形式出現（大家都會同意，人天生就有創造的需求），永遠都是藝術的展現。
因此，藝術是一種人人共享的普世需求，也正是作曲家想注入這首歌的「普遍性」精神所在。
接下來的兩句再次展現夢想對詩人的影響，以及他想逃離現實的強烈渴望（這裡的「真相」跟「夢想」形成對比）。詩人陷入死胡同，無法繼續前行活下去，也清楚知道他的困境需要別人的幫助才能解決。
這節最後兩句一針見血地指出了青春期的矛盾：拒絕做決定開始活著，卻又無法放棄活著而自殺。句中「開始」和「結束」都用否定句表達（兩者都不可能），而「哭泣」卻搭配動詞「持續」。這又一次讓那無盡的永恆之環緊緊封閉。
接著是一段長約三分鐘的器樂演奏，可以比擬成經典搖滾歌曲中的吉他獨奏，不過這段的主要作用是表達情緒的逐漸攀升。貝斯主導了整個旋律線，吉他和鼓之間的激烈對抗也逐步累積。節奏加快，第四節結束後30秒，HIDE開始了他的吉他獨奏。
隨著急促的節奏，吉他和低音鼓組展開激烈的對決，接著又加入了交響樂的低音提琴。這段音樂充滿了痛苦和焦慮，唯一確定的是，如此情緒的爆發勢必導向自我毀滅。
一分鐘後，節奏似乎有了變化，但同樣的旋律線又再次出現。不過這次交響樂和鼓聲更為堅定，帶著吉他跟著節奏走。交響樂和吉他主題互相重複，這是典型的爵士樂手法，雖然通常是由鋼琴或銅管獨奏者來扮演這裡吉他的角色。
當樂團和管弦樂隊的這場競速達到巔峰時，TOSHI重新開始唱歌，帶動大家回到比較平緩的節奏。第五段歌詞比前面規律許多，也可以被視為副歌。詩人比之前更冷靜，似乎已找到某種平衡，願意試著克服過去、活在現實裡。
此時，所有樂手瞬間歇止，讓溫柔的中提琴旋律接棒。但緊接著，旁白聲響起，打破了剛剛找到的脆弱平衡，提醒詩人那個他一直想否認的存在。中提琴旋律結束後，伴隨著帶有焦慮氛圍的和弦，悄悄襯托著玫瑰的聲音 —— 玫瑰正在總結詩人的生命：他拒絕面對過去，對自己施加暴力，缺乏意志力，被＂時間之輪＂（命運之輪）束縛，在現實與自己間築起虛偽的道德牆，還有他的偏執和自殺未遂。
歌詞中開始出現藝術相關的詞彙，如＂描繪＂和＂圖像＂，而童年與青春期則被比喻成文學裡的＂開場＂和＂第一章＂。玫瑰對詩人最主要的責備，是他的懦弱。她希望能讓他活下去，但又不願自己死去 —— 並且相信人生不可能不抑制感情而活。
在這段中，旁白的聲音逐漸分裂成多個聲音，像是從虛無中同時從四面八方響起。這是玫瑰第三次的出場，也是最後一次。
第六段呼應第四段，同樣以時間為主題開場。這段搖滾旋律跟第四段是一模一樣的。雖然「時間」被詩人視為殺手，但他仍然想活著，不願向自己的「心」投降，至少在找到自己的身分和存在意義之前都不會放棄。這場尋找再度凸顯出來，同時也帶出他害怕瘋狂會讓自己分不清夢想與現實。最後，利用「live」和「love」的內韻法，這段以「dream」作結，成為〈ART OF LIFE〉第一部分的最後一個字。
歌曲從開始到現在過了十五分鐘後，沒有任何過渡，直接進入鋼琴獨奏。一開始，主導動機（leitmotif）就出現了，持續循環且讓人不安，像是一個無法得到答案的疑問。隨著時間推進，低音逐漸呼應高音，每個小節後都有新的音符加入。大約四十秒後，YOSHIKI的左右手終於同步演奏，這段旋律不斷重複發展，儘管形式有所變化，但核心始終不變。16分30秒時，節奏加快，彷彿鋼琴家的雙手在努力追趕彼此：之前那段激盪的情緒再次浮現。但正當旋律攀上高峰時，鋼琴又回到最初的主題模式，形成一個迴圈。
雙手再度像是在反覆追問同一個問題，而節奏也在短短幾秒後再次加快。那種內心的動盪逐漸化為猛烈的暴力感，低音試圖壓制高音，變得越來越激烈。不過，隨著時間推移，樂譜裡似乎開始悄悄出現了些錯音。彷彿在那兩隻手之間，無聲無息的滑進了第三隻手，緊接著第四隻手也加入其中。這種多層疊加的演奏技巧，極可能是向爵士鋼琴家比爾·艾文斯（Bill Evans）致敬，營造出一種令人不安的雙重感，就像一場裂縫突然撕開現實的帷幕。當先進的電腦已經能創造出如此完美的幻象，我們又怎能不對現實產生懷疑？這「第二位幽靈鋼琴家」彈奏的音符似乎正取代著「第一位」的音符，兩者彼此回應、彼此質疑，形成一場無聲的對話。
緊接著，隨著旋律線帶動的節奏加快，這段演奏的狂暴感初聽之下彷彿已經失控，呈現出一種極度無政府狀態的混亂。然而，仔細一聽會發現，這其中其實隱藏著類似的模式：不協和的音簇（註）和猛烈敲擊的和弦不斷打破原本的旋律。這種矛盾正是〈ART OF LIFE 〉的精髓 —— 在解構中蘊含最嚴密的結構。古典作曲家發展旋律時，往往從幾個音符的「種子」開始，再依循嚴謹的規則讓它茁壯成樹，而YOSHIKI這裡用的是同樣的手法，但目的卻是拆解自己的旋律，細細檢視自己創造出的每個樂句，逐一摒棄。這段獨奏是一場激烈的內省，那種由憤怒和絕望引發的暴力感，正是他透過鼓獨奏所傳達的情感。
接著，旋律主題突然回歸 —— 這次只剩下兩隻手從那場混亂的拉鋸中掙脫而出。但，究竟是第一位還是第二位鋼琴家的手？這兩雙手之間的對立，其實正是玫瑰與詩人之間那種內在拉扯的化身：同一個靈魂中彼此否認的兩個面貌。此刻旋律更加清晰，隨著管弦樂再次悄然加入，襯托出鋼琴的節奏。彷彿鋼琴家終於找回某種平衡，原本悲愴的主題旋律在管弦樂隊搖擺的律動中也變得柔和了。
鋼琴的聲音漸漸淡出，在豎琴撥奏出一道琉璃般的琶音後，整體交響編制隆重的接手延續這段樂章。一段古典的作曲法、以爵士的手法詮釋，卻又嵌入在交響金屬的脈絡之中 —— 這段鋼琴獨奏無疑是搖滾史上的破格首創。
隨著最後一段小提琴和弦消逝，鼓聲與吉他如雷貫耳的爆發而出。主唱以近乎凱旋的聲音唱出第七段歌詞：詩人終於擺脫了所有疑慮，最後一道心牆徹底崩塌。他接受了那朵玫瑰，也就是接納了自己的情感，讓壓抑許久的情緒得以傾洩而出。此刻，現實也好、時間的流逝也罷，都已無關緊要。他已不再困於存在的煎熬，而是將目光完全放在「這個當下」。
然而，這種正面的結論也暗藏著危機：雖然若一直背負過去，或只活在未來的幻想裡，的確無法前進；但如果走向另一個極端，過度沉迷於「當下的美學」，也可能變得自我毀滅。此時，樂團與交響樂、鋼琴齊力共奏，鋼琴的節奏緊跟著鼓聲，金屬與古典的界線完全消融。詩人與玫瑰 —— 也就是靈魂的兩個面向 —— 終於在這一刻完成了融合。
第八段歌詞節奏比第五段更快，兩者相互呼應。此時，玫瑰成了「時間」的象徵：當下的情感變得至關重要。既然心牆已經崩塌，詩人也終於想要從自己內心的牢籠中走出來 —— 不再只是活在幻想裡，而是踏出那一步，嘗試讓夢想照進現實。
第九段又回到了「夢想與現實」的主題。夢想有時會讓人發狂，但卻是揮之不去的存在。即使詩人已經決定接受自己，他仍然無法真正看清自己是誰，也依然分不清什麼才是真實，什麼又只是虛幻的謊言。
第十段歌詞分成三個部分，呼應了第四與第六段。詩人尋找自我認同的旅程仍未結束，而當一個人試圖讓情感釋放、讓夢想成真，也意味著要對抗現實，以及生命那殘酷又無情的客觀真理 —— 但這不正是「藝術」一直試圖挑戰的事嗎？
最後這一段再次提到「永恆的輪迴」：人類的本性使人彼此傷害，卻又沒有人願意看著自己的生命走向終點。愛，是唯一的救贖，是打破這詛咒輪迴的唯一方法。此時，樂團、鋼琴與管弦樂團全都沉默下來，只留下TOSHI高聲唱出最後的字句：「life」—— 或許正是世上最珍貴的存在。
〈ART OF LIFE〉中貫穿全曲的，正是兩個關鍵概念：「二元性」與「普世性」。
首先是「二元性」。這種對立的存在幾乎在每一段中都出現：詩人與玫瑰、男性與女性、金屬與古典、鋼琴家的兩雙手……所有這些矛盾與對立，像是生與死、夢與現實，構成了人生荒謬本質的象徵，也讓人無時無刻處於一種不確定的狀態裡。YOSHIKI不僅用詞語在表達這種掙扎，還讓音樂本身承載這些衝突的重量。
接著是「普世性」，雖然沒有明說，卻貫穿整首作品。藝術的普世性、美的普世性、人類情感的普世性，這些東西不需要語言就能打動人心。而YOSHIKI選擇用英文創作歌詞、融合各種音樂風格（金屬、古典、搖滾、甚至爵士），正是為了觸及更多人，讓全世界的聽眾都能與他產生共鳴。
當年盧梭寫下《懺悔錄》時，深信唯有從「個人最深處的經驗」出發，才能找到真正的普遍價值。YOSHIKI也許沒讀過盧梭，但他以自己獨一無二的敏感與脆弱，成功將極為私人的情感昇華為全人類都能感受到的共通語言 —— 〈ART OF LIFE〉不只是他的自我剖析，更是我們每一個人的內心旅程。
音樂上的層次雖然複雜、結構龐大，但其實旋律的核心一直都很簡單、真誠，這正是為什麼即使沒有文字，我們也能聽見他的靈魂。
最後，YOSHIKI曾這麼說過：〈ART OF LIFE〉是「尋找自我是誰的旅程，而這段旅程永無止境。」 —— 這句話，道盡了人生的本質，也成就了這首歌的不朽地位。
「命運的輪迴已然轉滿一圈。」
（註）
「音簇」（clusters），這個技巧，是20世紀初由古典鋼琴家亨利·考埃爾（Henry Cowell）提出，隨後迅速被整個音樂界廣泛運用，特別是在爵士樂中相當常見。簡單來說，音簇是指一組連續的音符（至少三個）同時演奏出來，會產生強烈的不協和音響效果。
由於音簇的譜寫與彈奏極具難度（它必須遵循非常嚴謹的規則），鋼琴家們也被迫發揮創意，有些人甚至會用木棍來演奏。而YOSHIKI的作法更激進 —— 他直接用前臂來壓奏音簇，讓整段演奏變成一場近乎肉搏的情緒宣洩。
https://dawnoftheidols.wordpress.com/2013/05/25/review-art-of-life-x-japan/
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