原作／YUSUKE X
X JAPAN的團長YOSHIKI對於樂曲的執著異常強烈（完美主義者），這是眾所皆知的。他在參加電視節目時，經常提到「為了追求自己滿意的作品，一直沒有被唱片公司的框架給拘束」。這樣的態度也反映在近年X JAPAN新歌發表所花費的時間上，光看一首歌的長度就能略窺端倪。一般被歸類為J-Pop的歌曲通常長度是4到5分鐘，但X JAPAN的作品中，不少歌曲長達6到7分鐘，甚至像〈Rose of Pain〉和〈ART OF LIFE〉這樣長達10分鐘以上的巨作也存在。為什麼會這樣呢？我認為這背後的原因是，YOSHIKI所要表達的音樂基礎源自於古典音樂。
先從曲子的結構來看，一般的J-Pop大多遵循以下基本形式：
- 第一節［A段－B段－副歌］－第二節［A段－B段－副歌］－間奏－（C段）－副歌
而X JAPAN的樂曲則依曲子不同形式多變，給人一種接近古典音樂那種經過深思熟慮的感覺。古典音樂中象徵性的曲式之一是奏鳴曲形式，其古典奏鳴曲的基本結構如下：
- （序奏）－提示部［第一主題－第二主題］－發展部－再現部［第一主題－第二主題］－（尾聲）
在提示部通常會從第一主題的主調（大調I或小調i）轉調到第二主題的屬調（V）或短調曲子則轉到平行調（III）等，並以該調結束樂句。而發展部則會重用提示部主題的動機，繞行到各種調性，藉此增加張力，最後再現部回到主調。不同於提示部的是，再現部的第二主題會留在主調，最後曲子走向結尾。奏鳴曲形式的歷史可追溯至巴洛克時代以前，但上述的形式是在18世紀由海頓與莫札特代表的古典派時期確立並達到鼎盛。這種奏鳴曲形式，不只應用於有「奏鳴曲」名稱的作品，也被用在協奏曲、交響曲的第一樂章，堪稱古典音樂的典範。
不久之後，正是偉大的貝多芬大師更進一步勇敢挑戰，開啟更戲劇化音樂的可能性。貝多芬的偉大事蹟說起來太浩瀚，但舉例來說，像21號鋼琴奏鳴曲第《華爾斯坦》中，第二主題轉調到降III和長篇尾聲等，都是他的前衛嘗試。經過貝多芬這些挑戰，後來的作曲家如蕭邦的第二號奏鳴曲、普羅高菲夫的第三號奏鳴曲，甚至於再現部省略第一主題，都獲得了更多音樂上的自由。另外，順帶一提，李斯特唯一的奏鳴曲曲式極其複雜難解，單一樂章就長達約30分鐘的超大作。關於這點的分析，對我來說尚且力有未逮，因此暫且只能敬仰而不敢深究。
雖然話題大幅偏向古典音樂，但X JAPAN的某些作品（至少對我而言）在形式上會讓人聯想到這些結構。當然，因為是以主唱為核心的搖滾樂團曲風，並不是嚴格模仿奏鳴曲形式，但絕對不是一般每週大量產出的流行音樂能比擬的精心構成。這篇文章字數有限，就簡單帶過，比如我在首篇文章提到的〈紅〉，第一段和第二段都沒有副歌，中間穿插長篇的間奏（含獨奏等龐大器樂段），副歌直到曲子後半段才出現。當初我沒有細想，聽得漫不經心時沒注意到，但將副歌留到後半才出現，無疑是對J-Pop既有框架、主流音樂頗具膽識的挑戰。儘管如此，若非刻意注意，卻能自然流暢的聽完，這就是因為整體曲子在縝密設計下維持了高度統一感。
沒有留言:
張貼留言