原作：NOUR SHARIF／寫於2019年8月16日
我從十歲開始就一直在聽金屬樂了。巧合的是，我大約也是在十歲時開始了鋼琴的古典訓練。即使我花了很多時間在彈古典，但有很長一段時間裡，我平常都只聽金屬，根本不聽古典。讓我們面對現實吧，人們普遍對古典樂的共識是「單調」和「無聊」。我的意思是，大多數青少年面對那些沒有歌詞的音樂，大概只能維持三秒鐘的注意力吧。而金屬樂卻向我提供了一個媒介和管道，讓我所有無處發洩的精力和青春期面臨的焦慮都能流動起來，然後得到釋放、紓解，而那些對我作為一位鋼琴初學者所彈的古典樂，雖然確實對我的音樂教育非常重要，卻沒辦法提供一個出口，讓我可以釋放這些憋在心裡的情緒，它實在是太無聊了。而基本上，金屬樂可以讓我冷靜下來，對我來說是很有療癒性的；而古典樂只是我的作業，才能在全國音樂學院拿到及格的成績罷了。
我是在看似截然相反的音樂風格中長大的，不能說我完全沒有受到它們巨大的影響，但我也有幸藉此認識到它們之間的相似之處。考慮到它們的處理方式似乎非常不同，這些相似之處也許從表面上看起來並不明顯，但實際上卻並非如此。最鐵桿的古典樂迷們應該都知道，其實它既不平靜，也不乏味，但是要看穿古典樂無聊的表象，深入其中的豐富世界，還是需要累積大量的聆聽經驗才辦得到。
多年來，我聽到了古典和金屬的相似之處，卻無法具體用文字表達出來。畢竟，當所有音樂都由相同的基本七個音符組成時，你要怎麼解釋這種相似之處呢？我的意思是，Metallica的〈Master of Puppets〉和拉赫曼尼諾夫的〈升c小調前奏曲Op.3, No. 2〉的開場部分，都有一個共同的3音符進行，Opeth的〈Master's Apprentices〉和貝多芬的〈悲愴奏鳴曲〉第一樂章，在第一小節裡的節奏分割幾乎是一樣的，連演奏方式和和弦結構都是雷同的，只是前者是小調，而後者是大調。
然而，如果拿任何兩首曲子進行比較，然後就說它們有相似性，這樣就太荒謬了，因為任何人都可以挑兩首歌找出某種共同的音符，然後貼上＂相似＂的標籤。除此之外，所有西方音樂都源自於中世紀的教堂合唱音樂，所以你只要追溯到那個時代，就可以找到任何現代歌曲的起源。此外，節奏變化和不規則的節奏模式，這也不能當作參考基準，因為隨著20世紀上半葉爵士樂的崛起，在節奏創意和拍子複雜性方面，已經沒有什麼想像空間了。
金屬樂的奠基者們大都接受過古典訓練。Deep Purple的創始人Ritchie Blackmore、Megadeth的首席吉他手Marty Friedman、Scorpions的吉他手Uli Jon Roth（雖然不是明確的金屬樂手，但在從硬式搖滾到重金屬的過渡中扮演了關鍵角色）；Van Halen的創始人Eddie Van Halen、日本視覺系始祖X JAPAN的鼓手YOSHIKI，以及許多其他人，都受過古典訓練。Jason Becker也接受過古典訓練，甚至有人將他與巴哈相提並論。Jason傾向於以巴哈的數學音樂為基礎的小主題，以一種發展的方式呈現出來。不過這不是什麼重要的事。像Bjork、Zedd甚至Ziad El Rahbani這樣的音樂家也有受過古典訓練，這並不一定意味著他們都會走向金屬樂。但他們之中有這麼多人都受過古典訓練，光這一事實就很有趣了。
雖然Black Sabbath的四位創始人都沒有受過古典音樂訓練，但對於像我這樣的音樂迷來說，在聽他們的作品，尤其是早期的作品時，會注意到一些奇特的東西。
Led Zeppelin、Deep Purple和Black Sabbath都是將搖滾轉向金屬的先驅，但唯獨只有Black Sabbath在早期作品中以原創的方式來表達音樂，而不是像Led Zeppelin和Deep Purple的早期作品中那樣，稍微把迷幻搖滾加重而已。此外，有個重點讓Black Sabbath從眾多同時期的樂團中脫穎而出，那就是他們簡單的Riff和歌詞主題，但這個稍後再詳談。他們的Riff不僅非常簡單，而且最具吸引力的地方是他們的演奏方式，我指的是個性、細微差異和表現力。這些Riff的演奏方式就像古典音樂家一樣，對節奏和表情的處理方式都一樣。就以Black Sabbath的〈Paranoid〉（來自1970年同名專輯）中的Riff為例。它以重複的音符開始漸強，隨著演奏低音音符而略微減輕力道，然後在高音上增加重量。在〈Iron Man〉這首同專輯的歌曲中，他們也用了一樣的方式去處理Riff。不僅如此，即使這些較長的音符碰巧不在強拍上，他們也會增加重量，這是我們在古典樂裡經常看到的手法，例如蕭邦的〈夜曲Op. 9 No. 1〉中段部分那樣。
但細微差異並不僅限於一種音樂流派，對吧？在不同的音樂流派中有許多歌曲並不遵循這種方式，尤其是在音樂家沒有受過古典訓練的情況下。我現在可以給出的最好例子是Metallica〈Fade to Black〉的開頭。身為受過古典訓練的音樂家，我不會選擇他們這種演奏方式，尤其是在處理重複的音符時。但這種差異可能是一種風格的選擇，不一定是由於他們沒受過古典教育的結果（James的媽媽可是一位歌劇歌手）。但是，對於Black Sabbath來說，我們必需要注意到這種手法，這很重要，因為他們是這一流派的先驅者。
浪漫主義是一場始於19世紀初的歐洲藝術運動，但直到第二個十年才在音樂中表現出來，主要是由貝多芬帶頭的，他將古典樂派時代引領到了浪漫樂派時代，他是中間人。在貝多芬聽力下降、變成聾子之後，他開始創作更陰暗、更響亮的作品，這無疑是由於他的疾病。許多人稱他是人類最早的金屬頭。自1808年的〈給愛麗絲〉之後，他的作品變得更加陰暗和莊嚴。〈第5號交響曲〉（1809年）就是一個典型的例子，還有他的〈第7號交響曲〉和〈送葬進行曲〉（1822年）。甚至早期的作品，如〈悲愴奏鳴曲〉（1798年），〈暴風雨奏鳴曲〉（1802年），〈月光奏鳴曲〉（1801年），都是情感美學更重更懇切的例子。
浪漫主義的主要焦點是情感、個人主義、反主流、對往事與大自然的讚美，以此反抗啟蒙時代的貴族社會、政治規範以及古典藝術觀念。浪漫主義後來發展出一個稱為黑暗浪漫主義的子流派，也稱為哥德主義，頌揚憂鬱、死亡和瘋狂。李斯特對死亡的著迷在他的〈死之舞〉、〈葬禮〉、〈悲傷的鳳尾船〉和〈緬懷亡者〉中得到了很好的體現，他的許多其它作品也很陰暗，比如他的〈超技練習曲〉和〈詼諧曲與進行曲〉。理察·華格納為他的歌劇作品創造了「音樂劇」一詞。他的音樂既響亮又粗獷，而且情感激烈，〈崔斯坦與伊索德〉就是一個例子。其他作品，如聖桑的〈骷髏之舞〉、布拉姆斯的〈德意志安魂曲〉、柴可夫斯基的〈第1鋼琴協奏曲〉和〈四季〉，都很好展示了浪漫時代及其子流派的精隨。尼古洛·帕格尼尼在他的有生之年被冠以「撒旦教徒」的稱號，主要也是因為他創作的黑暗音樂。
金屬樂也是建立在個人主義和反主流的概念上，重點關注在情緒、焦慮、瘋狂、反叛和幻滅等情感。它經由強調黑色這一個象徵個人主義的顏色，來放大這些情感，最終得以體現該流派的精隨。由此我們可以清楚看到，金屬樂是怎麼在它的核心思想中反映並師從浪漫主義時代。
與其前輩不同，浪漫主義音樂擁抱了音樂所能提供的各種不同聲音（男低音、男高音、女低音和女高音）。這主要是透過作曲家去探索複雜而豐富的和弦來呈現的。在此之前，旋律或主題始終必須在音樂作品中最為清晰可聽。例如，在巴哈的創作中，必須在整個作品中始終聽到他的主題，而其它音符則充當背景。在浪漫主義音樂中，旋律仍然很重要，但它不再僅僅位於其它聲音之上，而是被設計為與這些聲音融合、互補。早期的古典樂和巴洛克音樂聽起來層次分明，而浪漫主義音樂正在探索音樂可以走的不同方向，毫無顧忌的將力道、重量和表情放進複雜的和弦結構中。這在蕭邦的波蘭舞曲和練習曲、李斯特的〈死之舞〉和練習曲、貝多芬的〈悲愴奏鳴曲〉和〈月光奏鳴曲〉以及拉赫曼尼諾夫的練習曲和前奏曲中表現得非常清楚。
金屬樂一樣也與其前輩不同，非常強力支持不同聲音的融合。主唱不再是領銜者，而是吉他手和主唱一起，有時甚至是貝斯手和鼓手爭奪主導地位。人聲不再是最響亮的那個，整體聲音也不再只是層次分明，它是在融合，聲音在互補著。在某些時候，你甚至無法分辨不同的聲音，直接效仿了浪漫主義音樂。例如，在Black Sabbath和Led Zeppelin的早期作品中，你無法分辨不同的歌詞單字，因為主唱的聲音已經與吉他和其它樂器融合得如此完美了。可以換句話說，「金屬樂要求人聲隸於樂團整體的聲音」。
貝斯在金屬樂中也首次獲得了一個重要角色，這是在早期音樂中前所未有的。貝斯在金屬樂裡面的作用比在其它搖滾流派中更為重要。甚至有一些樂團把貝斯視為主導樂器。你也可以看到這是如何與浪漫主義音樂互相呼應，因為浪漫主義音樂比早期的古典樂和巴洛克音樂更加注重低音。它接受了低頻的聲音，而不僅僅是將其當作背景或「填補聲音空隙」的角色。
同樣的，金屬樂裡的鼓聲旨在展現力量、速度和精確性，這是我們會在浪漫主義時代寫的軍事進行曲中很容易聽出來的東西。蕭邦的〈波蘭舞曲〉就是軍事進行曲，他那個時代有許多作曲家的練習曲也使用低音音符，來突顯一種類似鼓聲的效果，而實際上他們並沒有在音樂裡面用到鼓。此外，人們認為音樂的響度是金屬樂的主要定義標準之一，而響度在前述的浪漫主義音樂中也是一項突出的特徵。
金屬樂裡的節奏模式也與古典樂裡的模式非常雷同。早期金屬樂傾向於使用簡單的拍子，同時在每個小節裡探索複雜的節奏和分割拍，金屬樂逐漸演變成依賴和探索複雜節奏的流派。古典樂其實也遵循著類似的模式。當然，你會發現複雜的節奏，但通常拍號非常簡單，而樂曲內部卻有複雜的節奏分割。這使得每一個受過古典訓練的音樂家都可以輕鬆探索複雜的節奏，就像Dream Theater的貝斯手John Myung和鍵盤手Jordan Rudess，這支前衛金屬樂團傾向於探索複雜的節奏和拍號變化。Dream Theater的三位創始成員都曾是柏克萊音樂學院的學生，主修音樂學。舉個例子，Dream Theater的〈Dance of Eternity〉是一首長達6分鐘的歌曲，包含108個拍號變化，而他們能夠游刃有餘的演奏。樂曲中的表達方式和細微差異，尤其是由鍵盤手演奏的部分，幾乎完全反映了古典樂的風格。
歌詞性也是金屬樂最具有定義性的標準之一。這個流派的音樂是刻意製作的，以在其響度和力量中展現出歌詞的含義，這解釋了金屬樂為什麼關注於不尋常、有時被視為禁忌的主題。為了實現這種歌詞的氛圍，情感豐富的聲樂也是必要條件，這強調了聲樂與其它音樂元素融合的觀點。主唱的音調、語氣，有時候會是比歌詞本身還更重要的環節，以強調音樂的主題。
Black Sabbath的〈Black Sabbath〉（收錄於首張專輯《Black Sabbath》）是一個以歌詞性來強調主題的音樂例子。來自他們第二張專輯《Paranoid》的〈Paranoid〉和〈Fairies Wear Boots〉也是一樣。Ozzy Osbourne的〈Suicide Solution〉、Dream Theater的〈Panic Attack〉（你幾乎可以在音樂中聽到恐慌感）和〈6 Degrees of Inner Turbulence〉都是這樣。或許System of a Down的〈Psycho〉也是歌詞性的。
正如前面提到的，浪漫主義音樂傾向於描繪情感和大自然，這也使得許多浪漫主義音樂具有歌詞性。貝多芬的〈F大調第六交響曲「田園」〉、拉赫曼尼諾夫的〈鐘聲〉、帕格尼尼的〈鐘〉（由李斯特改編成鋼琴曲）、李斯特的〈死之舞〉、柴可夫斯基的〈四季〉、蕭邦的21首夜曲、德布西的〈月光〉都是具有歌詞性的音樂例子。它們還利用了繪詞法，也就是用音樂來描述文字。19世紀的印象派藝術運動旨在透過音樂來重新再現情感或場景。克勞德·德布西和莫里斯·拉威爾都是印象樂派。德布西的〈大海〉和〈映像〉都是極具印象樂派特徵的作品，透過音樂描繪了風景或動作。
總之，音樂的世界充滿迷人而美麗的驚喜。總是有比耳朵聽到的更多東西藏在裡面。古典樂，尤其是浪漫主義音樂，確實很值得我們去深入探索，如果你喜歡聽金屬樂的話，你也會發現浪漫主義音樂非常令人享受。
https://projectrevolver.org/features/articles/how-classical-music-influenced-modern-metal-music/
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